Las alteraciones son unos signos que pueden aparecer al lado izquierdo de las notas musicales o después de la clave (armadura). Estos signos modifican la altura de la nota. Es decir, con la alteración, la nota ya no sonará como siempre, sino un poco más aguda o más grave.

Aquí tienes una tabla con las alteraciones que existen y los efectos que producen en las notas.

Dependiendo del lugar en que aparezcan, las alteraciones pueden ser de dos tipos.

1. ALTERACIONES ACCIDENTALES.

Una alteración accidental es aquella que se coloca en cualquier punto de la partitura, a la izquierda de la cabeza de la nota a la que afecta.

Afecta a la nota musical con la que va, así como a todas las notas del mismo nombre y altura que haya en el compás donde se encuentra. Es decir, que afecta a todos los sonidos iguales que haya a la derecha de la alteración hasta la siguiente barra de compás.

Las alteraciones accidentales no afectan a la misma nota de una octava diferente, salvo que venga indicado en la armadura de clave.

En esta imagen tenemos varias alteraciones accidentales. Podemos decir que las alteraciones accidentales afectan a la nota con la que van y, a partir de ahí, esa nota queda «contagiada» por la alteración durante ese compás.

2. ALTERACIONES PROPIAS.

Las alteraciones propias son aquellas que se colocan al principio del pentagrama, después de la clave y antes del indicador del compás. Al conjunto de estas alteraciones también se les llama ARMADURA.
Alteran todos los sonidos del mismo nombre que se encuentren en la pieza musical.

Un ejemplo:

Las alteraciones propias de esta partitura son dos sostenidos que están sobre las líneas de las notas Fa y Do. Eso quiere decir que todos los Fa y Do de esta partitura, sean agudos o graves, están alterados, a menos que un becuadro anule el efecto.

3. ALTERACIONES DE PRECAUCIÓN.

Hay ocasiones en las que es necesario facilitar la lectura de la partitura, bien porque sea muy compleja, o porque esté destinada a estudiantes. Las alteraciones de precaución están colocadas en donde teóricamente no son necesarias, se hace por eso, para facilitar la lectura. En muchas ocasiones están entre paréntesis para diferenciarlas.

Para evitar errores en la lectura se pueden poner alteraciones de precaución.

Lied (lieder en plural) es una palabra alemana que significa canción y hace referencia a una de las principales formas vocales de la música romántica.

Es una forma breve escrita para voz y piano sobre un texto poético ya existente. Su principal característica es la fusión entre el texto y la música. El lied era muy apreciado por el público porque en los conciertos creaba una atmósfera íntima propiciada por la belleza y expresividad de sus melodías.
Entre los compositores más destacados de lieder hay que citar a Schubert, que a lo largo de su vida compuso más de seiscientos, y a Schumann.

Más tarde cultivarán esta forma otros autores como Hugo Wolf o Gustav Mahler.

La música de cámara.
La música de cámara en el Romanticismo alcanzó su máximo desarrollo, debido, entre otras cosas, a que se hizo accesible a la burguesía y a la constante demanda de obras para interpretar en familia o entre amigos.
A lo largo del siglo XIX, la mayoría de los compositores escribió obras de cámara, desde dúos ( piano y  flauta), tríos (piano, violín y violonchelo) hasta nonetos (nueve instrumentos de cuerda y viento).

El cuarteto de cuerda típico del Clasicismo (dos violines, una viola y un violonchelo) siguió ocupando un lugar destacado en esta época.

La música orquestal.
La orquesta del siglo XIX se convirtió en la gran protagonista de la época. Casi todos los compositores escribieron obras musicales para este tipo de formación.
La orquesta romántica, denominada orquesta sinfónica, estaba integrada por un número de intérpretes que solía oscilar entre los sesenta y setenta y cinco agrupando instrumentos de las tres familias. No es extraño obras que requerían cien o más músicos.

Los mecanismos técnicos de los instrumentos de viento se perfeccionaron y los compositores comenzaron a considerarlos tan importantes como los de cuerda.
Debido a la constante demanda de conciertos públicos el número de orquestas se multiplicó por toda Europa, hasta el punto de que las grandes ciudades contaban con varias orquestas sinfónicas que realizaban giras por toda Europa.

Las tres grandes formas orquestales del Romanticismo fueron:

1.  La sinfonía
Todos los grandes autores componen numerosas sinfonías en este periodo. Poco a poco, los compositores se van a ir liberando de los esquemas formales clásicos explotando con gran efectividad la riqueza técnica de los instrumentos.
Las sinfonías serán cada vez más largas y complejas aspirando a conseguir el máximo rendimiento de los recursos tímbricos de las grandes orquestas.

Entre los compositores más importantes destacamos a Schubert, Mendelssohn, Bruckner, Brahms y Beethoven, quien en sus últimas sinfonías deja ver un gran espíritu romántico.

2. Concierto para solista y orquesta.
El Romanticismo es un periodo muy fructífero para este género instrumental. Se escribieron numerosos conciertos para solista y orquesta, los instrumentos para los que más música de este tipo se compuso fueron el violín y el piano.

• Concierto para piano y orquesta.Los conciertos de piano destacan por los extraordinarios momentos de lucimiento de la parte solista. Era el preferido de los compositores románticos, ya que era capaz de aunar en una sola forma la riqueza tímbrica de la orquesta, el virtuosismo del instrumento solista, el carácter íntimo y expresivo del piano. Entre los compositores del siglo XIX que escribieron
conciertos destacan Beethoven, Chopin, Schumann, Liszt o Brahms.

• Concierto para violín y orquesta. Las obras para violín exigían un gran lirismo en la interpretación de sus melodías además de una
gran técnica instrumental. Entre los compositores que escribieron obras para este instrumento destacan Beethoven, Tchaikovski, Brahms o Paganini, conocido, este último, por ser el mejor violinista de la época y en ocasiones el único capaz de interpretar sus propias obras.

3. La música programática.
La búsqueda de músicas más libres y abiertas, dará lugar al desarrollo de la música programática o descriptiva, que ya no se construye a partir de criterios formales sino de criterios extramusicales (novelas, historias, pintura, poemas). Nacen así dos nuevas formas de música programática: la sinfonía programática y el poema sinfónico.

• La sinfonía programática.  Es una sinfonía que se desarrolla en torno a la descripción de un programa o argumento, generalmente de carácter literario. El creador de este género es el compositor francés Berlioz con su obra «Episodios de la vida de un artista. Sinfonía fantástica» en la que narra su amor no correspondido.

La sinfonía programática es una obra de larga duración (varios movimientos). El autor introduce el texto al principio de la obra que sirve de guía de la misma.

• El poema sinfónico.  Es una composición en un solo movimiento que está basada en elementos poéticos o descriptivos. Su forma es libre.

El creador de este género es Liszt que en su obra Preludios describe unos poemas titulados Meditaciones poéticas. Este nuevo género de música será cultivado por compositores románticos y en especial nacionalistas, entre los que destacamos a Mussorgsky, Rimsky – Korsakov, Richard Strauss, Saint – Säens o Paul Dukas.

Una noche en el monte pelado – Poema sinfónico de Mussorgsky, inspirado en un cuento Nikolái Gógol.

La música para piano.
El piano, era el instrumento preferido de los compositores y de los amantes de la música de ese periodo. Ello era debido a las siguientes razones:
La burguesía accedía, en gran medida, a la práctica y los conocimientos musicales. Era frecuente que en los hogares de las familias burguesas hubiese un piano puesto que era sinónimo de calidad de vida. Familiares y amigos solían reunirse para interpretar música o para celebrar tertulias en torno a él.
Por ser un instrumento armónico, tenía la posibilidad de interpretar reducciones de obras de orquesta. Por sus cualidades sonoras y técnicas, los románticos vieron en él un medio de comunicación para expresar pasiones y sentimientos.
En el Romanticismo coexistieron dos tendencias en la interpretación pianística:

• Virtuosismo: Se trata de explotar al máximo las posibilidades técnicas del instrumento. Solían ser obras de larga duración y de difícil ejecución. Algunas de estas formas son los estudios (piezas para desarrollar una determinada técnica), sonatas (mucho más libres formalmente que las del Clasicismo), variaciones (en las que la improvisación jugaba un papel protagonista) Los compositores más representativos de este género fueron Liszt, reconocido por algunos como el mejor pianista de la época, o Chopin, que también abordará el piano lírico.

• Lirismo: Los compositores no buscan la complejidad, sino expresar estados de ánimo o sensaciones en obras muy poéticas. Suelen ser obras cortas y en apariencia sencillas de ejecución, que transmitían el verdadero carácter romántico de la época. En este género destacan Chopin y Schumann que crearon piezas que denominaron momentos musicales, escenas de niños, baladas, o nocturnos.
Promovidos por el espíritu nacionalista también realizaron obras basadas en danzas o temas populares de sus territorios como las polonesas o las mazurcas en el caso de Chopin, por ejemplo.